25 suurinta koskaan tehtyä lyhytelokuvaa

On monia, jotka eivät voi varata 90--120 minuuttia päivässä elokuvan katseluun. He ovat huolissaan ja heillä on erilaisia ​​tehtäviä, jotka vaivautuvat ajaksi. Lyhytelokuvat ovat täydellinen päätöslauselma tällaisille ihmisille. On ihmisiä, jotka harkitsevat vaihtoehtoja eri taiteen muodoissa, mutta hardcore-elokuvan harrastajilla on oltava visuaalinen elokuvamainen kokemus ja minä olen spektrin siinä päässä, uskokaa, että tiedän, mitä he käyvät läpi. Elokuva tai elokuva on sarja pysäytyskuvia näytettynä ruudulla, mikä luo illuusion liikkuvista kuvista eikä siinä ole mitään aikarajoitusta.

Innokkaana oppijana sinun on ymmärrettävä, että kaikki alkaa lyhytelokuvasta, kokeesta, jolla mitataan omaa kykyäsi ja viihdytetään samanaikaisesti. Jotkut hyvät lyhytelokuvat ovat vaikuttaneet ja määritelleet elokuviin siinä määrin, että monet eivät ole tietoisia niistä, ja yleensä ne vangitsevat kukkivan ohjaajan olemuksen ylevästi. Kun teillä on rajoituksia ja elokuvamainen tyhjyys, sinulla on aina mahdollisuus tutkia lyhytelokuvia, ja joitain suurimmista elokuvista oli suunniteltu lyhyiden jälkeen. Netissä on tuhansia lyhytelokuvia, joista kaikki eivät välttämättä ole laadukkaita, ja tehtävänä on etsiä mahdollisimman vähän niistä annettuja tietoja ilmeisesti vähimmäisaltistuksen vuoksi.

Koska olen kauhuelokuvafani, minulla on tapana etsiä aina shortseja, jotka häiritsevät minua eivätkä pelkästään pelota minua, sinun on hyväksyttävä, että hyppypelät ovat vain jännittäviä niiden keston aikana, mutta niillä ei ole ikimuistoisia vaikutuksia. Psykologiset tai ilmakehän kauhuelokuvat ovat yleensä erän parhaat ja suhteellisen pienestä budjetistaan ​​huolimatta ovat hankalia, koska ne vaativat hienovaraisuutta tekniikan avulla, kun taas tekniikka voi olla visuaalista kuvaa tai tarinaa tai esityksiä.

Tämän sanottuasi, tässä on luettelo suosituimmista lyhytelokuvista, jotka räjäyttävät mielesi. Voit katsella joitain näistä parhaista lyhytelokuvista verkossa Youtube, Netflix, Hulu tai Amazon Prime.

25. Koodi 8

Koodin 8 tuotti vuonna 2016 Stephen Amell (Nuoli) ja Robbie Amell, ohjaaja Jeff Chan, joka teki myös 'Operation Kingfish', joka on Call of Duty: Modern Warfare 2 -esikirjan lyhyt artikkeli. Amellin veljet ja Chan tekivät tämän lyhyen elokuva teaserina heidän suunnitellulle täyspitkälle ominaisuudelle, jonka tarkoituksena oli käyttää tätä videota hankkeensa joukkorahoitukseen. Päätös mennä indie-reittiä käytti elokuviensa täydellistä luovaa hallintaa, koska tuotantotalojen sekoittuminen elokuviin on ollut jyrkässä nousussa. Syy, miksi pidin siitä, johtui siitä, että se ei mene täydellisesti cyberpunk-elementteineen, vaan se sijaitsee jossain maailmamme ja Blade Runner -elämän välissä, samanlainen kuin Carpenterin Escape from New York. Elokuvalla on myös samanlainen käsite kuin 'X-Menillä', ja vähemmistö mutatoituneista ihmisistä kohtaa yksinomaan sortavan hallituksen kärsimyksen.

24. Jiminy

Pinokkion hahmoon perehtyneiden ihmisten on oltava tietoisia Jiminy Cricketistä, ja tästä elokuva saa otsikon. Nyt Pinocchion tarinalla on kaksi versiota, alkuperäinen, joka on synkkä ja häiritsevä, ja Disneyn tarina pehmensi laajemmalle yleisölle. 'Jiminy' on futuristinen uudelleenkuvitus maailmasta, jossa ihmisillä on krikettimäisiä ohjauspelimerkkejä, jotka tarjoavat heille vaihtoehdon suorittaa kaikki tehtävät täydellisyyteen. Pinnalla olevat pelimerkit näyttävät olevan erittäin hyödyllisiä ja tukevia, kuten Disneyn versio, mutta jatkuessamme ymmärrämme, kuinka laajasti he hallitsevat ihmisten ajattelutapaa, muuttaen heidät alijäämässään henkisesti ontoksi tilaksi.

23. Darth Maul: Oppipoika

Kun kävin läpi erilaisia ​​lyhytelokuvia, tämä oli nimi, jota en olisi yleensä valinnut miljoonan vuoden aikana. Fani teki ”21. vuosisadan” Tähtien sota -elokuvan, josta voi odottaa vain vähiten. Mutta olin yllättynyt elokuvan laadusta, ja ollakseni rehellinen, tämä on yksi parhaista Star Wars -tapahtumista. Koska olen Tähtien sota -fanipoika, halveksin Darth Maulin kohtelua rajoittuneena pelikoneeksi kauhean Anakin Skywalkerin kehitykselle. Täällä voimme nähdä taitava taistelija kasvavan sithien herraksi, joka tappaa prosessissa epämääräisen version Obi-wanista ja hänen opetuslapsistaan. Taistelukohtaukset on erittäin koreografoitu ja toteutettu ketteryydellä, jota odotetaan ihmisiltä, ​​jotka ovat omistaneet elämänsä taiteelle.

22. Kung Fury

En tiedä mikä jätti minut virkistyneemmäksi katsellessani Kung Fury -tapahtumaa, kunnioitusta 80-luvun retro-viihteelle sen groovisella syntetisoidulla ilmapiirillä tai sillä, että löysin vihdoin 'Hackerman' -memeiden lähteen. David Sandbergin lyhytelokuva haaveilee kuvitellusta tulevaisuudesta ja parodioi myös vastaavia elokuvia retroajasta. Kung Fury, sankarimme saa salaman, joka tekee hänestä lyömättömän taistelulajien soturin, ja seuraavaksi uskot vain, jos tarkistat sen. Elokuva toistetaan parhaiten 240p: n tarkkuudella, jotta voit antaa itsesi VHS-nostalgian uppoutua, ja jos se ei riitä, myös Ritariratsastaja David Hasselhoff tekee pienoiskuvan.

21. Frankenweenie

Katselin valitettavasti tätä 30 minuutin klassikkoa, jota esitti 2000-luvun alusta Tim Burton, kun olin istunut 90 minuuttia Corpse Bride -repotetun version läpi. Tämä oli aika, jolloin Burton ei täyttänyt kaikkia mahdollisia näytön tuumaa ekspressionistisen aikakauden innoittamana palettina. Tämä lyhytelokuva sai ohjaajan potkut, koska Disney piti sitä sopimattomana kohdennetulle nuorelle yleisölle. Se toimii Frankensteinin nykypäivän luovutuksena koiran kanssa, jonka hänen sydämensä murheellinen nuori ystävä herättää. Koira on ollut ihmisen uskollisin ystävä, ja aikuisilta voidaan kysyä, kuinka paljon heidän lapsuuden lemmikkinsä merkitsivät heille ja tekisivätkö he mitään sen pelastamiseksi. Vaikka aikuiset voivat tulla toimeen kuoleman kanssa, mutta lapset eivät voi, ja tämä antaa erittäin vankan perustan elokuvan tarkoitukselle.

20. Nostalgisti

”Nostalgisti” voi todellakin suihkuttaa nostalgiaa Steven Spielbergin ”A.I. Tekoäly ”. Elokuva sijoittuu dystooppiseen maailmaan, jossa ihmiset voivat käyttää modifioituja visiirejä, jotka esittävät virtuaalitodellisuutta. Elokuva esittelee isän ja pojan välisen siteen ja sai minut miettimään, kuinka termi 'isä-poika' on hyvin subjektiivinen. Itse asiassa toinen voi rakastaa toista isänä ja huolehtia toisesta, ja toinen voi vastata poikiin liittyvää kunnioitusta. Vaikka se on 17 minuuttia pitkä, yhdessä viimeaikaisten sci-fi-elokuvien kanssa tämä jättää huomiotta ne, joiden katsotaan olevan 'edellytyksiä' parisuhteelle.

19. Olen täällä

Luin Shel Silversteinin ”Annan puun” lapsena ja vaikka törmäsin sen eri versioihin, kukaan ei ole yhtä pitkä kuin Spike Jonzen lyhytelokuva. 'Olen täällä' -elokuvassa Andrew Garfield on robotti maailmassa, jossa heitä kohdellaan alempiarvoisina, heitä ei 'käytetä väärin', vaan heitä pidetään kummajaisina. Garfieldin Sheldon on introvertti, joka elää yksitoikkoista elämää, joka muistuttaa Theodore from Her -ohjelmaa, joka on mallinnettu tästä. Sheldon rakastuu holtittomaan robottiin Francescaan, joka on polaarinen vastakohta häntä kohtaan, ja elokuva tutkii hänen ehdoitonta rakkauttaan häntä kohtaan. Toisin kuin tarina, Francesca ei ole itsekäs, hän tekee lopulta viattomia virheitä, jotka maksavat pariskunnalle paljon.

18. Elektroninen labyrintti: THX 1138 4EB

Vaikka George Lucas tunnetaan aloittavansa Tähtien sota-franchising-aloitteen, hänen debyyttinsä ”THX 1138” on edelleen hänen paras teoksensa ja yksi kaikkien aikojen parhaimmista tieteiskirjallisuuselokuvista. Sen lisäksi, että elokuva on viehättävä kuva Orwellin maailmasta, elokuva auttoi käynnistämään luokan elokuvia, joissa sekoitettiin scifi sosiaaliseen satiiriin. 'Elektroninen labyrintti' on ominaisuuden perusta, ja Lucas teki sen elokuvayliopistoprojektissaan. Vaikka sillä ei ehkä ole laatua kengän budjetin takia, Lucas sai pääsyn rajoitettuihin laivaston neljäsosiin, joten se tuntuu ennusteeksi kaukaisesta maailmasta.

17. Matka kuuhun

Matkan kuuhun tekemisestä on kulunut 115 vuotta, ota hetki ja anna sen upota. George Melies kuvasi avaruusmatkoja vuonna 1902, vuosikymmeniä ennen kuin ensimmäinen rakennettu pitkäkestoinen raketti jopa rakennettiin, ja yli puolet vuosisadalla ennen kuin joku edes keksisi suunnittelua, joka voisi lähettää ihmisen avaruuteen. Jos tämä ei riittänyt, hän jopa kuvasi näytöllä muukalaisia ​​muistuttavaa marsilaista. Melies oli todellinen visionääri ja hänen työnsä osoittaa varhaisen surrealismin ja maagisen realismin, ja hänen ihastuksensa geometriaan on melkein hypnotisoiva. Se on saatavana sekä mustavalkoisena että värillisenä versiona YouTubessa, ja suosittelen ensimmäistä, koska jälkimmäinen tuntuu ryöstetyksi aitoudelta ikuisen palautusprosessin takia.

16. Jetee

Oletin tilanteen, oletetaan, että Chris Marker näki La Jeteen paikallisessa teatterissa jonain päivänä lapsena, ja vuosia myöhemmin, jos hänet lähetetään takaisin ajoissa ja olisiko tajunnut olevansa luoja, muuttaako hän elokuvan tapaa tehty? Kuulin, että hänellä ei ollut varaa videokameraan, ja päätin siis koota still-kuvat, jotka mielestäni synkronoituvat hyvin ajan virtauksen äkillisyyden kanssa päähenkilön näkökulmasta. Mielenkiintoista on, että oman luomuksensa mukaan hän ei voinut, koska riippumatta siitä, kuinka epämääräinen ja metafyysinen aikamatka on elokuvassa, ei ole yksinkertaisesti paeta nykyisyydestä. Olemassaolosi taso on rajoitettu nykyhetkeen, mikä on luultavasti ainoa asia, jolla on merkitystä, koska se on ainoa asia, joka kykenee vaikuttamaan sinuun. La Jetee on kokeellinen, elokuvassa on tuskin mitään realistista; lähtökohta, prosessi, rakkaus, kaikki on vain harhaanjohtamista.

15. Alexia

Aloitetaan Alexia-argentiinalaisella lyhytelokuvalla, jolla on hallitseva sosiaalisen median ja verkkokauhu-juoni. Siinä on yliluonnollinen kuvaus tapahtumista, josta puuttuu todellisuus, mutta se korjaa puutteet kiinnittäen suurta huomiota yksityiskohtiin. Alexia oli tyttö, joka teki itsemurhan sen jälkeen, kun poikaystävä (johtava) hajosi hänen kanssaan, ja näemme hänen käyvän läpi profiilinsa, merkki syyllisyydestä ja kiintymyksestä, joka todennäköisesti asuu sisällä. Kun hän on keskustellut nykyisen tyttöystävänsä kanssa verkossa, hän päättää olla ystävällinen Alexian kanssa, mikä johtaa hänen tietokoneeseensa hajanaiseen johtoon ja kuolleen Alexian viesteihin, mukaan lukien kuva, joka repäisi Ringulta.

Kameratyö ja muokkaus ovat ilmiömäisiä, kun lähikuvat vangitsevat lyijyn silmissä täydellisen sekaannuksen ja hänen lisääntyneen ahdistuksensa sormiensa ja viivästetyn kohdistimen liikkeen kautta. Kamerakulmat ja vaihtaminen ovat hieman liioiteltuja, mutta ne vaativat oikean määrän huomiota ja onnistuvat luomaan hämmentävän tunnelman. Teknisesti elokuva on erittäin hyvä, ja VFX ei budjetistaan ​​huolimatta pettänyt yleisön älyä, aave ja iiris laukaus ovat hienoja saavutuksia. Alexia osoittautuu olevan muutakin kuin vain virus, joka hämmentää tietokonetta, ja lopun mahdollisuus on kauhistuttava ja saa sinut miettimään lyijyn kohtaloa. Käsikirjoitus ei ole mikään loistava, ja se perustuu hyppy-pelotteluihin, mutta elokuvan todellinen vaikutus tapahtuu vain, kun suhteutat sen tavallisempaan tasoon ajattelemalla sitä taipumatta kohti yliluonnollista näkökohtaa.

14. Hymyilevä mies

”Hymyilevä mies” vie lapsen paholaista vastaan, eikä hänellä ole Hollywood-elokuvalle ominaisia ​​supervoimia tai kykyjä. Ei. Lapsi joutuu kohtaamaan puhdas paha ja kauhun syntymä, koska sana 'pelko' rajoittuu aaveisiin ja noitiin lapsuudessa, ja kaikki tämä tapahtuu keskellä kuolemaa. Minulla ei ole aikomusta keskustella juonesta, koska ei ole mahdollista keskittyä tärkeisiin juoni-pisteisiin sen 7 minuutin ajon aikana, koska se pilaisisi täysin kokemuksen.

Tunkeutuminen on kauhuelokuvien rutiininomainen aihe, ja jotkut niistä erottuvat siitä, miten heidät ammutaan. Alusta alkaen sinulle annetaan vaikutelma yliluonnollisen voiman läsnäolosta, mutta se, mitä huomaat, on sen fyysinen suoritusmuoto eikä kaasuinen olento tai näkymätön läsnäolo. Se käyttää jokaista Clowns-kirjan temppua houkutellakseen lapsen epäonnisimpaan tapahtumaan, eikä tämä hoito voi aiheuttaa pelottavia pelkoja, mutta se häiritsee sinua, ja kauhuelokuva toimii vain, kun se viipyy mielessäsi, kun olet valmis se. Tätä elokuvaa ei ole määrätty kenellekään henkilölle, jolla on taipumus olla levoton pelleiden seurassa.

13. Hän otti ihonsa pois minulle

Sen sijoittaminen pelkän kauhun alle olisi sääli. Tämä on luettelon osa, jossa jätämme kuluneet perinteiset kauhut syrjään ja keskitymme aineen aiheuttamaan kauhuun ja sen realistisiin ominaisuuksiin. 12 minuutin pitkä lyhytelokuva noudattaa otsikkoa ja keskittyy mieheen, joka ottaa ihonsa osoittaakseen rakkautensa tyttöystäväänsä. Ihmeellisen meikin ja CGI: n käyttämättömän tuen takia ihoton päähenkilö on näky (katsojien tekniikan suhteen ja emotionaalisesti tyttöystävänsä suhteen, joka ei voi ilmaista reaktioitaan ylivoimaiseen kauneuteensa). Ihoton kaveri pääsee ihosi alle (sanaleikkaus on tarkoitettu), mutta tämä hitaasti tyhjentää parin suostumuksen tilanteeseen, joka toimii todella hyvin pimeänä komediana. Elokuvassa syvenee jännite ja villitys alkaa kulua ja jättää jälkiä siitä kaikkialle, jälkiä, jota he eivät halua tuntea, koska he eivät enää tunne sitä.

Elokuva on ihana virheettömällä kirjoittamisella, näyttelemisellä ja kameralla (paistetun lihan lähikuva ja pitkät tulosteet kaikkialla talossa ovat erittäin fiksuja) ja voidaan tulkita metaforaksi avoimuudesta. Ottamalla ihonsa pois, lyijy paljastaa kaiken ja pysyy rehellisenä suhteilleen avaamalla, vaikka hänen kumppaninsa ei vastaisi. Alussa he tulevat läheisemmiksi totuuden kanssa, joka lisää heidän siteitään, mutta ajan edetessä huomaamme tyytyväisyyden hänessä, koska hänen kumppaninsa vain auttaa ratkaisemaan hänen asioitaan, mutta ei koskaan seuraa häntä siihen pisteeseen, että heidän välillä on ilmeinen jännitys, joka johtaa järkyttävä viimeinen kohtaus.

12. Canis

Canis on pysäytyskauhuinen lyhytelokuva, joka pyörii koirien ympäröimässä talossa loukkuun jääneen pojan ympärillä, joka olisi ollut täydellinen lemmikkieläinten kimppuille Elävien kuolleiden yössä. Se on synkkä, sydäntä puristava ja on iso EI ihmisille, jotka eivät kestä väkivaltaa, koska se on käsittämätöntä gore-etsintää, mutta tämän ei pitäisi antaa sinun häiritä sinua mestariteoksesta. Asetus tuntuu postapokalyptiseltä, koska selviytyneiden juoni pisteiden, kuten ruoan säilyttäminen, sivilisaation rauniot, ihmisen syntymä, riehuvat eläimet ja haalistunut yksivärinen.

Hahmot tehtiin langasta, kankaasta ja puusta, ja Anna Solanas ja Marc Riba toivat ne eloon (erittäin ankara lausunto) stop motion -tekniikoiden avulla. Nihilistisestä sävyistään huolimatta sillä on loppu, joka luokittelee tämän oikeutetusti satuun, jossa 'keiju' -osa on hallitseva kuin ripaus verta meressä. Ikääntyvä tarina, joka saisi “R!” arvio raiskauksista, lajien dysforiasta, rakkaan ihmisen murhasta, syöjistä ja katkaistuista ruumiinosista, se on muuta kuin elokuva lapsille. Teknisesti sitä voi parantaa vain luettelon ykkösvalinta, jossa on moitteetonta yksityiskohtaa tuotannosta ja äänisuunnittelusta, jokainen arpi on halkaistu täydellisellä hulluudella ja yhdellä ilmeellä voidaan välittää tarina sen takana.

Siirtymällä juoniin Teo selviää koiransa ja vanhan miehen kanssa (joka voisi olla hänen isoisänsä), ja hänen on vaikea tulla toimeen niiden tilanteiden gravitojen kanssa, joihin ne ovat jumissa. Kaikki muuttuu, kun virhe johtaa hänen huoltajan kuolema villien koirien leukoilla, ja hänen on tehostettava suojellakseen häntä ja koiria tappamalla tunkeilijoita. Hänet raiskasi nainen, joka pukeutuu koiraksi hengissä selviytyäkseen ja joutuu syömään koiran lihaa, kun näemme hänen koiransa olevan yhä levottomampi ja raivoisempi vastoinkäymisten vuoksi ja ainoa asia, joka erottaa sen ja muut syöjät on pelkkä ulkonäkö. Tarina etenee tasaiseen groteskiin ja ahdistavaan vaiheeseen, joka vihdoin osoittaa Teon muutoksen loppuun saattamisen mieheksi, joka on valmis ottamaan maailman haltuunsa.

11. FUCKKKYOUU

”FUCKKKYOUU” on huolestuttava surrealistinen elokuva ja osoitus lynkiläisen kauhun vaikutuksista. Ammunta rakeisessa yksivärisessä, näön hämärtymisenä ja pisteytys Flying Lotus -pelissä soittaen ”Eraserheadin” sinfonioita. Tämä on elokuva, josta Lynch olisi ylpeä. Elokuva alkaa suuntautumisella, joka muistuttaa 30-40-luvun kauhuelokuvia ja väärennetystä olentosta, joka muistuttaa ”Norsun miestä”. Minusta oli vaikeaa rakentaa tapahtumia selittävä teoria, ja aivosoluni houkuttelivat täysin yllätyselementtiä, ja minun piti viitata virtuaalilähteisiin. Elokuva pyörii pohjimmiltaan humanoidisen olennon ympärillä, joka kamppailee identiteettinsä ja sukupuolensa kanssa joutuessaan hylkäämiseen, joka tapahtuu vaihtuvien ajanjaksojen kautta, menneisyys on todellisuuden menetys sen jälkeen, kun se oli käännetty alussa näytetyllä injektiolla.

Elokuva on täynnä huutavaa kipua ja ulvovaa epätoivoa, ja sieluton musiikki pystyy todella häiritsemään kenenkään järkevän ihmisen paskaa. Elokuvan otsikko on sisävits, ja se tuli esiin istunnon aikana, jossa Flying Lotus häiritsi kappaleita satunnaisesti ja yksi niistä kuulosti ”F * ck you”. Se voidaan tulkita myös mutatoidun olennon viimeiseksi huudoksi, sopivaksi vastaukseksi noille kasveille, jotka repivät hänen läpi. Koska olen tappiollinen sanojen suhteen, voin vain pyytää sinua tarkistamaan sen itse, koska kokemus on niittaavaa, ja vaikka saatat päätyä tekemään siitä mitään, se räjäyttää aivosi. Ota sanani siitä!

10. Katkaisuhetket

Olisin asettanut '' Leikkaavat hetket '' listalle hieman korkeammalle sen erittäin häiritsevien kuvien ja aiheiden takia, mutta '' Suuri parranajo '', joka oli tämän merkittävä inspiraatio, vaikutti enemmän aikaan, jolloin vain Peckinpah uskalsi käyttää punainen väri enemmän kuin mitä pidettiin normaalina. Leikkaavat hetket pyörivät amerikkalaisen perheen ympärillä, joka näyttää normaalilta ulkopuolelta; mies, hänen vaimonsa ja poikansa, mutta kärsii ongelmista, jotka vaivaavat huomattavaa määrää perheitä länsimaisessa yhteiskunnassa ja johtavat otsikoihin, jotka saavat sinut vapisemaan.

Sarah ja Patrick elävät tukahdutetuilla tunteilla ja ovat pitäneet parempana eristäytymistä, kun Patrick kiisti täysin Sarahin olemassaolon. Niiden välinen kylmyys on sekä fyysisellä että emotionaalisella tasolla, ja Patrick poikkesi seksuaalisista haluistaan ​​poikaansa vastaan ​​epämääräisesti esitetyn tapahtuman aikana. Sarah yrittää pukeutua eroottisella tavalla Patrickin miellyttämiseksi, mutta kun tämä yritys epäonnistuu, niin tekee myös hänen henkinen vakautensa. Täysin hajonneessa tilassa hän hakeutuu vakavaan itsensä silpomiseen viimeisenä keinona, jota seuraavat tapahtumat, joita ei yksinkertaisesti voida ajatella ja jotka olisivat vaikuttaneet Lars von Trierin ”Antrichistiin” jossain määrin.

9. Suuri parranajo

Martin Scorsesen ensimmäinen lyhytelokuva on täydellinen esipuhe hänen uralleen. Varastettu tavaramerkkikatolisen ääri-alatekstinsä kanssa synnistä, fyysisestä ruumiillistumisesta ja uskon ja todellisuuden sisäisestä taistelusta päällekkäin väkivallan, itsevarmuuden ja jännitteiden teemojen kanssa. Koko elokuva on asetettu kylpyhuoneeseen, ja sen 5 minuutin ajon aikana '' Suuri parranajo '' sisältää miehen, joka vaahdottaa kasvonsa kahdesti, kerran aikomuksena päästä eroon kasvojen karvoista ja seuraavalla kerralla tarkoituksella päästä eroon. hän itse. Se on kokeellista ja lähikuvia on liian monta kuin Scorsese normaalisti käyttäisi, mutta hän saa sen oikein tasapainottaen teon suoran (peili) ja epäsuoran (parranajoterä) esityksen välillä antaen sille identiteetin, joka poikkeaa räikeästä hippi-elokuvasta .

Keskustelen nyt juonesta, koska se toimii metaforana, joka on piilotettu vaihtoehtoiseen otsikkoonsa Viet 67, joka näytetään lopputekstien aikana. Viet 67 on viittaus Vietnamin sotaan, erittäin kritisoituun asiaan ammutun ajan, selkeällä kuvalla sodasta ja presidentti Johnsonista, joka paljastettiin maalle. Itsensä silpominen heijastaa Yhdysvaltojen itsetuhoisaa osallistumista sodaan, joka johti miljoonan amerikkalaisen hengen menettämiseen. Miehet olivat normaalit ihmiset, kuten yleisö ja heillä oli vain vähän tietoa tapahtumista, joihin heidän oli kohdattava.

8. Sakramentaalinen melodraama

Ehdottomasti inhottava ja ilkeä elokuvateos. Melodrama Sacramental on 17 minuutin pitkä tallenne Alejandro Jodorowskyn samannimisestä näytelmästä teatteriryhmänsä The Panic Movement kanssa. Ryhmää voidaan pitää kulttina, ja heidän motiivina oli saavuttaa se, mitä Bunuel ja Dali tekivät 20-luvulla, järkyttämällä yleisöä ja elvyttämällä pienestä porvaristosta tulleen surrealismin. Pääosassa tähditti Jodorowsky, joka oli pukeutunut moottoripyöräilijäksi, ja hän esitti, että hän halkaisi kahden hanhen kurkut, teipasi kaksi käärmettä rintaansa ja riisui itsensä riisuttua. Muita kohtauksia olivat alasti naiset, jotka olivat hunajan peitossa, ristiinnaulittu kana, lavastettu murha, rabbi, jättiläinen emätin, elävien kilpikonnien heittäminen yleisöön ja purkitetut aprikoosit.

Alkuperäisyyden naamioinnissa tämä lyhyt liittyy eläinten julmuuteen ja seksuaaliseen abstraktioon, mutta toisin kuin Bunuelin teokset, se on lopulta niin raaka, että se ei järkytä eikä lainaa surrealistista paatostaan ​​taidemuodolle. Se toimii kuten 'Ihmisen tuhatjalkainen' tai 'Serbian elokuva', jotta turhaa fyysistä kauhua ei saavutettaisi, ja tämä on erittäin painava todiste Jodorowskyn epätavallisen upeasta visiosta, joka välitettiin 'El Topon' ja 'Pyhän vuoren' kautta. En pidä siitä, lainaan Rick Blaine 'Jos ajattelin sitä luultavasti'.

7. Kuusi miestä sairastamassa, kuusi kertaa

David Lynch Ensimmäinen 200 dollarin budjetilla tehty elokuva oli stop-motion-animoitu lyhytfilmi, joka ansaitsi hänelle muistopalkinnon elokuvakoulunsa kokeellisessa maalauksessa ja veistoksessa. Elokuva koostuu animaatiosta, joka kuvaa kuutta dysmorfista hahmoa, jotka regurgitoivat peräkkäin sireenisilmukan taustalla. Kriitikot ovat kuvanneet sen hyödylliseksi paradigmaksi Lynchin narratiiviselle mielelle, ja monet ovat osoittaneet yhtäläisyyksiä, jotka sillä on Eraserheadin kanssa.

Varsinainen juoni (mukavuuden vuoksi) kulkee minuutin ajan muutosten läpikäyvien hahmojen tilan kanssa, heidän sisäelimet tulevat näkyviin ja vatsa täyttyy kirkkaanvärisellä aineella, joka kulkee heidän päähänsä ja saa oksentamaan , ja tätä toistetaan 4 kertaa sen 4 minuutin ajon keston huomioon ottamiseksi. Huomaa epänormaalit esiintymät, aikomus inhoa ​​(oksentelu), fyysisen kauhun käyttö (sisäelinten kuvaus), hänen aikaisemmissa elokuvissaan esiintyvä kukoistava äänisuunnittelu ja hauska osa on, että jotkut katsojat saattavat tuntea olonsa sairaana tai hämmentyneenä katselun jälkeen tämä ja ihmiset, jotka ovat täysin kunnossa sen kanssa, joko vitsi on sinussa ja sinä edustat kuutta sairasta ihmistä.

6. Rakkaus on olemassa

Vaikka Maurice Pialat onkin itsenäinen elokuvamestari, hän on välttänyt laajaa tunnettuutta yhtä paljon kuin aikaisempia elokuvasääntöjä. Silti hänen työstään perehtyneet ymmärtävät, kuinka selvä hänen vaikutuksensa on lukemattomiin nykypäivän elokuviin. Pialatia on vaikea luokitella mihinkään konkreettiseen luokkaan, koska hänen elokuvansa juurtuvat realismiin, joka on niin sentimentaalinen ja henkisesti tiheä, että se näytti formalistiselta. Yksi hänen varhaisimmista teoksistaan ​​on 20 minuutin dokumenttielokuva L'Amour Existe, joka on hänen kommenttinsa sodanjälkeisen Ranskan kaupunkien leviämisestä ja sen taustalla olevasta luokkaristiriidasta. Se rakentaa laukaus kerrallaan kertomuksen Pariisin kehityksen surkeasta todellisuudesta, jossa esikaupungit hajoavat laiminlyötyinä, Jean-Loup Reynoldin äänellä. Pialat korostaa erittäin kärsivällisesti kuinka synkkä elämä lähiöissä oli sodan jälkeisenä aikana, kun mainonta otti vallan ja ihmiset omaksuivat materialistisen ja tylsän elämän.

L'amour Existe huomauttaa myös, kuinka pariisilaisilla keski- ja ylemmillä luokilla on parempi koulutus paitsi akateemisesti myös kulttuurisesti, kun taas esikaupunkien lapsilla ei ole pääsyä teattereihin tai konserttisaleihin. Pialat kuvaa uusia asuntorakennuksia, jotka nousevat nopeasti 'keskitysleireiksi', joissa on pienet, vaakasuorat ikkunat, joista ei ole mitään katsottavaa. Tämä lyhytelokuva voitti palkintoja Venetsian elokuvajuhlilla ja Prix Lumieres. Maurice Pialat jatkoi monia loistavia elokuvia, kuten A Nos Amours ja Sous le Soleil de Satan, jotka voittivat Palmu d'Orin Cannesissa.

5. Savukkeet ja kahvi

Vaikka savukkeet ja kahvi olivat vain P.T. Anderson Toisen kerran kameran takana se ei millään tavalla tunne amatöörityötä. Elokuva sijoittuu melkein kokonaan ruokasalissa, ja meidät esitellään menettelytavalla viidelle hahmolle, heidän tarinoilleen ja 20 dollarin setelille, joka yhdistää heidät. On jännittynyt ja hermostunut mies, joka kertoo tarinansa etsimällä apua vanhemmalta ystävällisemmältä ystävältä, joka haluaa odottaa, kunnes kahvi kaadetaan ja savukkeet sytytetään, muuten keskustelulla ei ole todellista merkitystä. Toisessa kopissa on häämatkalla pari, joka on menettänyt kaikki rahansa sen jälkeen, kun vaimo räjäyttää kaiken uhkapeleihin. Hetkeä myöhemmin ruokasalissa käy varjoisa mies, joka näennäisesti ei liity muihin. Kuitenkin, kun 20 dollarin seteli kulkee hahmosta toiseen, saamme tietää, että he voivat olla yhteydessä toisiinsa.

Tällä 23 minuutin lyhytelokuvalla on tarpeeksi tarinaa elokuvalle ennen sitä ja toiselle sen jälkeen. Elokuvan vuoropuhelu, kehystys ja kameratyö osoittavat, että sen tekee joku, joka tietää tarkalleen mitä haluaa. Tämän elokuvan erottavin piirre on seurantakuvan käyttö kohtaustilanteissa. Tämän elokuvan näytteleminen on myös erityisen hyvä. Myöhemmin Anderson sovitti ja laajensi tämän lyhytfilmin täyspitkäksi elokuvaksi ”Hard Eight” - hänen seuraavaksi hankkeekseen.

4. Six Shooter

In Bruggessa ja seitsemässä psykopaatissa ohjannut Martin McDonagh aloitti ensin tekemällä Irlannissa asetetun 27 minuutin mustan komediaelokuvan nimeltä Six Shooter - joka voitti edelleen Oscarin ja on kaikkien aikojen tunnetuimpia lyhytelokuvia. aika. On melkein yllättävää, kuinka niin kuolemaan ja henkilökohtaisiin menetyksiin kuormitettu elokuva onnistuu olemaan yhtä hauska ja ilmeikäs samanaikaisesti. Lyhyt on erittäin hyvin tehty ja älykäs, joten huumori tuntuu erilaiselta kuin amerikkalaiset ja brittiläiset mustan komedian tuotemerkit. Se seuraa ikääntyvää miestä, Donnellyä, joka on juuri menettänyt vaimonsa, ja junamatkalla takaisin sairaalasta hän löytää itsensä istuvan röyhkeän teini-ikäisen pojan kanssa, jonka äiti on juuri kuollut. Heidän vieressään istuu synkkä pariskunta, joka on juuri menettänyt vastasyntyneen lapsensa.

Tämä näennäisen synkkä asetus kääntyy pian tummempaan suuntaan ja asiat muuttuvat samanaikaisesti kauheammiksi ja hauskemmiksi paljastusten myötä, itsemurhista, aseitaisteluista poliisin kanssa, räjähtävistä lehmistä ja lemmikkien kuolemista. Kukaan, joka tuntee McDonaghin muut elokuvat, ei tarvitse muita syitä tämän mestariteoksen katseluun. Tämä elokuva muodostaa kuitenkin välttämättömän katselun kaikille, jotka nauttivat älykkäästä mustasta komediasta, mikä tarkoittaa yksinkertaisesti kaikkia.

3. Coquette-nainen

Todennäköisesti tuottelevin kaikista New Wave -ohjaajista, Jean-Luc Godard on tehnyt elokuvia 1950-luvulta lähtien samalla kekseliäisyydellä kuin koskaan. Tähän mennessä hän on ohjannut yli sataa elokuvaa, mukaan lukien Contempt, Breathless ja Band of Outsiders. Mutta Godard aloitti ohjaajanmatkansa vähemmän tunnetulla lyhytelokuvalla, Une Femme Coquette, vuonna 1955. Maupassantin tarinan perusteella 9 minuutin mustavalkoinen lyhytelokuva seuraa naimisissa olevaa naista, kun häntä yhtäkkiä houkutellaan flirttailemaan. muukalainen nähtyään prostituoitua houkuttelee sulavasti katsomassa olevia miehiä kadun yläpuolella olevasta ikkunasta. Häneen on erittäin vaikuttunut siro tapa, jolla nainen houkuttelee vieraita ihmisiä - rennolla mutta kutsuvalla hymyllä, joka olisi yhtä helposti voinut tarkoittaa 'Mikä kaunis päivä!'.

Tämän nähtyään hän päättää impulsiivisesti hymyillä flirttailevasti seuraavalle miehelle, jonka hän näkee. Une Femme Coquette muistuttaa muita Godardin varhaisia ​​teoksia - optimistisella ääniraidalla, jota ohjaavat artikuloitu vuoropuhelu, laajakulmakuvat ja hieman nopeatempoinen editointi. Elokuvan uskottiin kadonneen pitkäksi aikaa viime aikoihin asti, kun se tuli esiin YouTubessa. Lyhytelokuvassa on myös 24-vuotiaan Godardin pienoiskuva, jonka pitäisi olla riittävä syy sinefileille tarkistaa se. (Katso sitä tässä )

2. Raitiovaunu

Krzysztof Kieslowski teki Tramwajista yhden parhaista lyhytelokuvista, kun hän vielä opiskeli elokuvakoulussa. Tässä 5 minuutin pituisessa elokuvassa seuraamme nuorta miestä talvi-iltana, kun hän nousee raitiovaunuun, jolla hän huomaa kauniin nuoren tytön, joka istuu yksin. Heidän silmänsä kohtaavat, tyttö tuntuu aluksi levottomalta, mutta lämpenee hitaasti hänen läsnäololleen, kun hän sulkeutuu raitiovaunun oven nähdessään, kuinka ilma saa hänet kylmäksi, ja alkaa sitten pureskella sokerikuutioita lapsellisesti. Mutta ennen kuin mitään voisi tapahtua, raitiovaunu saavuttaa miehen pysäkin ja hän purkaa sen. Hän pahoittelee välittömästi tällaisen sopivan hetken puuttumista ja on ylivoimainen halu lähestyä tyttöä, joten hän juoksee raitiovaunun taakse toivoen saavansa hänet kiinni. Alussa olimme nähneet miehen seisovan yksin klubissa, jossa kaikki tanssivat, eikä hänellä näytä olevan hauskaa. Hänellä ei todennäköisesti ole kovin onnekas naisten kanssa, minkä vuoksi hänen on täytynyt tuntea raskas valituksen tunne ja siten impulsiivinen juoksunsa.

Lähes jokainen käyttökokemus on ainakin kerran tuntenut samanlaista lämpöä nähdessään satunnaisen muukalaisen, jonkun muun kuin muun, jonkun niin houkuttelevan, että haluamme oppia tuntemaan heidät. Saman ahdingon ilmaisi myös herra Bernstein Citizen Kane -lehdessä, kun hän kertoo kuinka hän vielä muistaa tytön, jonka hän näki vain sekunnin nuorena, yllään valkoisella mekolla lautalla. Juonen lisäksi lyhyen mielenkiintoisen tekee Kieslowskin mestarillinen kyky kameran takana ja hänen suuri tarinankerronta. Kieslowskista on sittemmin tullut yksi suurimmista nimistä arthouse-elokuvissa ja hän on tehnyt hienoja teoksia, kuten The Dekalog ja Trois Couleurs -trilogia.

1. Andalusian koira

Andalusian koira on rotu, jonka alkuperä on peräisin Espanjasta, Luis Bunuelin ja Salvador Dalin, tämän monumentaalisen lyhytelokuvan kahden luojan, syntymäpaikasta. Iberian niemimaalla on luolamaalauksia, jotka edustavat koiria, jotka muistuttavat voimakkaasti tätä rotua, ja rehellisesti sanottuna luolamaalausten sumea todellisuus on ainoa asia, jonka elokuva lainaa andalusialaisen koiran olemassaolosta. Vaikka surrealistinen liike oli jo alkanut 20-luvulla, se ei onnistunut kiinnittämään maailmanlaajuista huomiota, ja Bunuel-Dali saavutti tämän järkyttämällä yleisöä visuaalilla, joka symboloi vain luovuuden tukahduttamista.

Heti avautuvasta lähikuvasta, johon Bunuel itse osallistuu ja viipaloi naisen silmän vuotaneen lasiaisen huumorin kanssa, joka sekoittaa aivosi viimeiseen kuvaan kuolleesta pariskunnasta, joka on haudattu rantahiekkaan, elokuva ei koskaan pudota intensiteettinsä kerran ja vaikka yksi Voisi kiistellä siitä asiasta, joka auttaa tätä aihetta, on tärkeää huomata, miten ne on järjestetty tavalla, joka antaa heille suotuisan jatkuvuuden. Kehon kauhun tekniikoita ja kuvia useimmissa kohtauksissa on tutkittu ja sovellettu lukemattomissa muissa elokuvissa, jotka on rakennettu unelmiin tai kauhuteemoihin. Merkittävimpiä esimerkkejä ovat 'Oldboy', 'Spellbound', 'Quills' ja 'runoilijan veri'. Vaikka lukemattomasti kritiikit ovat omaksuneet useita teorioita selittääkseen elokuvan tapahtumia, ne rajoittuvat sanaan 'teoria', kun Bunuel nauraa kaikki mahdolliset selitykset sitä kohtaan.